Die malerische Arbeit von Christofer Kochs kreist um die universellen Themen Transformation, Übergang und Wandel, tief verwurzelt in der menschlichen Existenz. In der Balance zwischen figürlicher Darstellung und abstrakten Elementen entfaltet sich eine eindringliche Bildsprache, die durch hohe Sensibilität und emotionale Resonanz besticht.

Die menschliche Figur – oft nur angedeutet, manchmal fließend – steht im Zentrum der Kompositionen. Sie ist sowohl Träger als auch Medium des Wandels, ein Symbol für die zerbrechliche und zugleich beständige Natur des Lebens. Die Übergänge zwischen Körper und Raum, zwischen Form und Auflösung, verdeutlichen die ständige Bewegung und Veränderung des Daseins. Die figürliche Handschrift in Kochs` Werken verleiht den dargestellten Figuren eine Präsenz, die sich zwischen Konkretem und Imaginärem bewegt. Ihre Körper scheinen in einem Zustand der Metamorphose zu schweben, was den Betrachter unmittelbar in einen Dialog mit der eigenen Vergänglichkeit und dem stetigen Wandel der Identität führt.

Gleichzeitig öffnen die abstrakten Bildelemente Räume für Interpretation und Reflexion. Farben und Formen verschmelzen, lösen sich auf oder fügen sich in neuen Zusammenhängen, was eine emotionale Tiefe schafft, die den inneren Wandel und Übergang fühlbar macht. Die sensibel gewählten Farbtöne und feinen Übergänge vermitteln Stimmungen, die von Melancholie über Hoffnung bis hin zur Neugier auf das Unbekannte reichen.

Kochs Arbeiten spiegeln die Komplexität der menschlichen Existenz wider, die stets im Fluss ist. Sie berühren tief, indem sie auf subtile Weise universelle Gefühle von Loslassen, Veränderung und Neuanfang aufgreifen. Diese sensible Bildsprache lädt den Betrachter ein, sich auf eine introspektive Reise zu begeben, die ihn in den Raum zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, dem Körperlichen und dem Geistigen führt.

Der Künstler Christofer Kochs umkreist in seinen Arbeiten das Thema Menschenbild aus

zeitgenössischer Sicht und nähert sich diesem in Form von Serien. Eigene

Weltanschauung, persönliche Erinnerungen, aktuelle Reflexionen über den Alltag und

Adaptionen aus der Musik vereint er virtuos auf Leinwand oder Papier in einer Malerei, in

der die schwebenden Figurationen auch für eine große inhaltliche Offenheit stehen.

Seine Gemälde versteht er als Resonanzboden, der – wie die akustischen Schwingungen

eines Instruments – eine Verbindung mit dem Betrachter erzeugen soll. Die Kunsthalle

Schweinfurt stellt mit dieser monografischen Ausstellung die Bedeutung eines hoch

begabten, jüngeren zeitgenössischen Künstlers heraus, der mit einem Hauptwerk in der

städtischen Schausammlung „Wegmarken“ vertreten ist. Als weitere Station für die

Ausstellung konnte der Kunstverein Ellwangen gewonnen worden, der den Künstler 2017

zeigen wird. Das unterstreicht seine Bedeutung im heutigen Kunstschaffen und gibt seiner

künstlerischen Aussage auch Gewicht.

Ebenso wie die Malerin Bettina van Haaren, die im Herbst 2016 ebenfalls in einer

monografischen Ausstellung in der Kunsthalle Schweinfurt zu sehen sein wird, ist

Christofer Kochs eine Entdeckung des Kurators der renommierten Sparkassengalerie,

Adolf Lutz, wo Kochs 2004 zu sehen war. Schon seinerzeit reifte der Wunsch, einerseits

eine Arbeit des interessanten, in Augsburg lebenden Künstlers zu erwerben und

anderseits nach einem gewissen zeitlichen Abstand mit ihm erneut eine Ausstellung in

Schweinfurt auszurichten.

Für die erste Dauerpräsentation zur Eröffnung der Kunsthalle 2009 konnte seinerzeit die

Arbeit „Faltungen“ angekauft werden, die seither in der städtischen Schausammlung

gezeigt wird. Dort ist sie im Kontext „Natur – Landschaft – Fiktion“ zu sehen, ein Thema,

das vielschichtiger denn je in das Blickfeld zeitgenössischer Künstler tritt. Denn

Menschenbild und Naturdarstellung sind in der Bildenden Kunst im 21. Jahrhundert nicht

mehr voneinander zu trennen, diese Sujets verschmelzen miteinander und besonders hier

ist eine neue Poesie in der Bildsprache zu beobachten. Christofer Kochs reduziert bei

unserem Bild Landschaft auf ein Materialbild mit gefalterter Leinwand. Diese ist nun nicht

ausschließlich mehr Bildträger, sondern zugleich das Bildthema. Das bedeutet, die

Faltungen im unteren Verlauf sind durchaus als topografische Angaben zu verstehen, die

nahtlos in eine zarte Zeichnung von figürlichen Silhouetten und reduzierten vegetabilen

Formen übergehen. Farblich und haptisch unterschiedliche Stoffe deuten Kochs Interesse

für den Raum und für bildhauerische Ausdrucksformen ganz allgemein an.

Ältere Bildlösungen, wie „Seismograph“ von 2008, setzen sich beispielsweise aus manuell

zu gesägten Holzstücken zusammen, die einen gewissen Rhythmus erzeugen und dabei

an die formschöne Struktur des Steins Travertin erinnern, also bewusst Assoziationen zu

natürlichen Formen hervorrufen. Bei anderen, zum Beispiel „Phasenverschiebung“, ist es

nacheinander fixierte und gefaltete Pappe. Dieses Material assoziiert man in besonderem

Maße mit einer Folie oder einer Jalousie und damit verbunden mit dem Eindruck, als

würde sich noch etwas anderes hinter dieser Blende finden. Darauf spielen auch die

aktuellen Bilder mit gerasterten Oberflächen an, hinter denen Figuren hervortreten oder

vor denen menschliche Silhouetten verschwinden wie auf einer fotografischen 

Momentaufnahme.

Der seinerzeit für eine Ausstellung in der Galerie Harthan in Stuttgart vom Künstler wohl

gewählte Titel „Summe der Möglichkeiten“ 2009 spielte bewusst auf diese

vielschichtigen Bedeutungsebenen an. Christofer Kochs sieht seine Arbeiten als Schnitte

in die Welt und ermuntert den aufmerksamen Betrachter ausdrücklich, in diese

unbekannte Materie mit ihm zusammen einzutauchen. Thomas Elsen hat es „Malen als

entdeckende Erinnerung“ genannt. Es handelt sich also um einen persönlichen

Geschichtsspeicher. Der Maler verweist hierin auch auf einen zeitlichen Aspekt. Denn

meist tauchen auf seinen Bildern Figuren auf, sei es nur als Silhouette oder fragmentarisch

reduziert, die in irgendeine geheimnisvolle Handlung gleichsam eines Rituals

eingebunden sind.

Im aktuellen Werk wird Christofer Kochs dabei deutlich konkreter, was Raum und Zeit

betrifft. Scheinbar. Seine Bilder sind Bühnen für Inszenierungen, in denen Menschen aber

isoliert im Raum erscheinen (z.B. „Vertauschte Heimat“, S. 52). Denn Figur, Architektur

und Landschaft stehen in unterschiedlichen Ebenen, werden im Sinne kubistischer

Darstellungsweisen facettiert und damit entfremdet. Was auf den ersten Blick als

anheimelnde Landschaftsmalerei anmutet, entwickelt sich auf den zweiten als

kompliziertes und tiefsinniges Bewegungs- und Bedeutungsgeflecht. Kochs Protagonisten

wirken in der traumhaften, fast surreal anmutenden Bilderwelt isoliert und dennoch

suchen sie den direkten Kontakt mit dem Betrachter, warten ab oder treten ihm im

Bildraum sogar entgegen. Der schwebenden Komposition gibt der Künstler durch die

Bühne im unteren Rand Halt – mal malerisch ausformuliert, mal in Form eines

Materialstreifens angedeutet wie schon in früheren Arbeiten.

Kunsthistorische Bezüge herzustellen, fällt bei der Individualität seiner künstlerischen

Handschrift schwer. Vielleicht ist eine der Inspirationsquellen sogar Giorgio de Chirico

(1888-1978) mit seiner komplexen Bildsprache und Symbolik, der theatralischen

Lichtführung mit Hell-Dunkel-Kontrasten, auch wenn dieser Bezug nicht unbedingt

naheliegend ist. Andere Arbeiten wiederum lassen an den japanischen Holzschnitt des

19. Jahrhunderts denken. In der Verinnerlichung der dargestellten Handlung sowie in

Bezug auf den vom Künstler evozierten Dialog von Natur und Mensch steht Kochs dem

Japaner Katsushika Hokusei (1760-1849) nahe (z.B. S. 27).

Nicht von ungefähr ist die Schweinfurter Ausstellung von ihm als „Resonanzboden“

betitelt worden. Dieser eigentlich aus dem Sprachrepertoire der Musik stammende Begriff

verwendet der Künstler im Sinne eines dialogischen assoziativen Prinzips, das den Klang

seiner Bilder in Schwingung versetzen und dabei verstärken soll. Diese Klangwellen

treffen auf das Auge des Betrachters, nicht auf das Ohr. Eine ähnliche Wirkung, eine

vielleicht unbewusste subtile Kommunikation zwischen dem Publikum und seinen Bildern,

könnte ebenso in der Ausstellungssituation selbst anklingen. Das Konzept dazu hat er

vorab anhand eines selbst gefertigten kleinen Modells annähernd maßstabsgetreu

entwickelt, die Fotos der Situation vor Ort sollen dies auch im Katalog wiederspiegeln.

Der erste Verleger des renommierten Ullstein-Verlags, Emil Herz, hat eine seiner

Publikationen ebenfalls mit „Resonanzboden“ betitelt und begründete dies mit dem

dessen Anliegen, dass „alle Strömungen einfangen, alle Stimmen gehört, registriert und

wie von einem riesigen Resonanzboden verstärkt der Öffentlichkeit wieder zugeführt“

werden.* Dieses Bestreben gilt meiner Ansicht nach auch für Christofer Kochs. Das

Multitalent ist in der realen Welt tatsächlich professioneller Musiker und fungiert im

Orchester seiner Bilder als Dirigent und Solist zugleich. Seine persönliche Partitur klingt in

der Melodie seines Hängekonzeptes an und in der wohlklingenden Stimmigkeit dieser

Komposition. Christofer Kochs großes Können als Künstler und die tiefe Ernsthaftigkeit

seiner Werke zeichnen die Schweinfurter Ausstellung aus. Wir sind dankbar für dieses

unvergleichliche Klang- und Seherlebnis.

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Die Balance zwischen dem, was der Künstler an Präzisierung vorträgt und dem was der

Betrachter aus solchen Bildelementen in seiner eigenen Wahrnehmung werden lässt,

erscheint mir persönlich in Kochs’ Zeichnungen besonders gut ausponderiert.

Zeichnungen mit ihrer vielfach skizzenhaften Erscheinung haben ja bekanntlich die

Eigenschaft, dass der Betrachter sie für sich gewissermaßen „zu Ende malt“. Da genügen

dann die Abkürzung eines in bestimmter Weise auf das Papier gesetzten Kopfes mit

Schulter, einige Angaben zur Physiognomie und eine durch wenige impressionistisch

anmutende farbige Flecken erzeugte Stimmung um in uns, bei jedem auf eigene Weise,

eine bestimmte Aussage des Bildes zu evozieren.

Kochs’ Figuren sind von großer Einfachheit. Offensichtlich rasch und mit großer Sicherheit

auf das Papier geworfen, lassen sie noch etwas von der heilen Welt der Kinder-Malbücher

erahnen, deren Umrissfiguren den Künstler früher angeregt haben. Andererseits steckt in

der vermeintlich kindlichen Naivität des Ausdrucks zugleich die ungebändigte Kraft einer

Archaik, die uns in mancher Zeichnung der Höhlenmalerei noch über Tausende von

Jahren hinweg schaudern machen lässt.

Aber mit einer vereinfachenden Vorstellung von „gegenständlicher“ Kunst alleine ist das

Werk dieses Künstlers nicht zu fassen. Scheinbar mühelos bedient Kochs sich bei Bedarf

der Erfahrungen der informellen Kunst. Er lässt in manchen seiner tachistischen

Mischtechniken den Betrachter zunächst völlig vergessen, dass die in bestimmter Weise

angeordneten farbigen Flecken sich ja horribile dictu zu einem „gegenständlichen

Muster“ ordnen lassen.

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Christofer Kochs setzt sich mit durchbrochenen Körpern auseinander, die er mit der

Kettensäge aus dem Holzblock schneidet. Bis zur Zeichenhaftigkeit stilisiert, markieren sie

den Grenzbereich von Abstraktion und Figuration. Kennzeichnend für seine Skulpturen ist

ihre offene, scheinbar fragmentarisch belassene Struktur. Indem der Bildhauer das

Betrachterauge über wechselnde Ansichten und differenzierte Blickachsen von außen

nach innen und zurück führt, thematisiert er das menschliche Verlangen nach Erkenntnis.

Der neugierige Blick ins Innere markiert den erregenden Moment der Ergründung von

Verborgenem und Unbekanntem.

Mit einer subtilen farbigen Behandlung der Oberflächen betont Christofer Kochs sowohl

das Monumentale seiner lang gestreckten Bodenfiguren als auch das Filigrane der

feingliedrigen, arabeskenhaft verschlungenen Reliefs. Ihnen stellt der Künstler eine

thematisch verwandte Werkgruppe von Gemälden sowie einen Zyklus zarter Zeichnungen

gegenüber.

Christofer Kochs, geb. 1969 in Osnabrück, lebt und arbeitet in Augsburg. Er studierte von

1992 bis 1996 an der Akademie der Künste, München. 1995 erhielt er in Kronach den

Lucas-Cranach-Förderpreis, 1996 in München den Böhmlerpreis und 2000 in Bobingen

den 1. Preis des Kunstvereins. 2000-2003 lehrte er Lithografie an der FH Augsburg, 2007

folgten weitere Lehraufträge an der Universität Dortmund sowie der Alanus Hochschule,

Bonn. Regelmäßige Ausstellungen dokumentieren seine künstlerische Tätigkeit.

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Ein Gespräch mit Christofer Kochs

Hilde Strobl, Architekturmuseum der TU München

2016

Immer zuerst die Bilder. Es gibt eine Sammlung von Worten und Begriffen, über die

ich stolpere und in einem Buch sammle. Lange Zeit hat mich zum Beispiel Wolfgang

Herrendorf stark beeindruckt, seine Bücher „In Plüschgewittern“, „Diesseits des

Van-Allen-Gürtels“ oder „Tschick“. Unabhängig davon was irgendwann zum Titel

wird, beeinflussen und inspirieren mich diese Textsequenzen – sie bleiben hängen.

Irgend- wann kristallisiert sich aus der Summe von Eindrücken dann ein Titel heraus.

Gerade die figurative Malerei verlangt fast nach einem Titel. Nicht beschreibend,

sondern assoziativ wird ein Wort- und Begriffsfeld eröffnet. Die Titel verstehe ich

wie einen Einstieg, fast einen Steigbügel – wenn man so will – in einen

Assoziationsraum zum Inhalt der Bilder. Die Titel greifen zum Teil sehr weit und

daher betitele ich auch zum Teil eine komplette Serie mit demselben Begriff.

Meine Affinität zur Musik zeigt sich in ganz unterschiedlicher Weise. Über das

eigene Musikmachen hinaus, kommt mir Musik auch in der Kommunikation über

meine Bilder entgegen. Die Systeme sind identisch und dadurch teilweise leichter

zugänglich – es geht immer um Rhythmus, Ton, Wert und Varia- tionen. Der Titel

meiner Serie „Verstärker“ zum Beispiel er- möglichte ohne große Erläuterung ein

Nachempfinden meines „Inputs“. Ich begreife solche Bezeichnungen regelrecht als

Bildverstärker. Im Bezug auf den Titel der aktuellen Serie „Resonanzboden“

bedeutet das ein Verorten im Raum, der Boden als festes, erdiges Element und

zugleich diffuses Schwingen der „Resonanz“: Eine Bewegung die ein zeitliches

Vor- und Zurückschwingen beinhaltet gleichwie Aktion und Reaktion.

Aus der Menge von Bildern, mit denen man alleine schon beim Zeitung lesen

konfrontiert wird, finden sich natürlich immer wieder Motive, die haften bleiben. Ich

habe jene auch in irren Mengen gesammelt. Sie werden nicht eins zu eins zu einer

Bildvorlage, sondern sind vielmehr Ausgangspunkt und Archiv einer Bildwelt, aus

der ich schöpfe und die ich in neue Kontexte setze.

In meinen früheren Arbeiten fokussierte ich mich völlig auf die Figur – ohne weitere

Details wie Gegenstände oder Ortsbezüge. Die Figuren bewegten sich, schwebten

im unbeschriebenen und eher geistigen Raum. Vor ein paar Jahren machte ich einen

Schnitt und löste mich vom dominanten Motiv der Einzelfiguration. Ich fragte mich,

was passiert, wenn ich die Figuration vervielfache? Auf dem Weg dieser

Entwicklung spielte ich Versionen durch: zwei Personen interagieren oder ganze

Gruppen tauchen auf – Blicke, Gestik und Körperhaltungen stellen Bezüge her. Um

diese auch kompositorisch zu erreichen, verkleinerte ich die Figuren, damit der

räumliche Kontext ein größeres Gewicht bekommt. Und was bisher nie auf- tauchte,

außer vielleicht eine Horizontlinie als ledigliche Angabe von Raum, wurde auf einmal

stärker. Durch das Einbeziehen von Landschaft und Bauten bekamen die Figuren

einen Stand, sie begannen sich zu verorten. Das heißt allerdings nicht, dass es nicht

auch weiterhin schwebende Figuren im labilen Zustand gäbe – allerdings im

Raumkontext eingebunden.

Meine Bilder erzählen sicher keine lineare Geschichte, nicht wie im Film. Spannend

wird erst das Brechen des linearen Mo- dells durch das Gegeneinandersetzen von

Motiven aus verschiedenen Kontexten, Zeitebenen oder Räumen. Eine schein- bar

greifbare Struktur, die Figuration und Komposition, wird durch die Irritation, dass

etwas so in der Realität nicht sein kann, instabil. Sie bricht und wirft Fragen auf. Auf

diesen Moment, auf das Kippen zwischen was ist, was sein kann und was

uneindeutig bleibt, arbeite ich in meinen Bildern hin.

Das Subjektive entspricht dem, was den Kern der Kunst bezeichnet. Der Künstler ist

derjenige, der filtert indem er bestimmte Dinge aufnimmt oder außen vor lässt – das

Ergebnis dieses selektiven Prozesses führt dann wiederum zum Kunst- werk und

tritt in den Bildern zum Vorschein, die eine neue Wirklichkeit arrangieren. Das ist

letzten Endes mein Motor und das Ziel, ob es immer gelingt, eine andere Frage.

Mit der Aufnahme von Motiven wie Leiter oder Boot sind nahezu archaische

Elemente hinzugekommen. Durch die aktuelle politische Entwicklungen und die

Flüchtlingssituation werden diese in der Lesbarkeit wieder völlig neu aufgeladen.

Spannend finde ich, wie die Sehgewohnheiten aufgrund der gegenwärtigen

Ereignisse auf einmal verändert werden. Und den- noch bleibt es ein ganz

traditionelles Motiv für einen Über- gang, für einen Transit von dem einen Zustand in

den anderen, ob man nun an die letzte Fahrt über den Acheron anspielt oder die

Hoffnung auf ein besseres Leben. Auch die Häuser aus der aktuellen Serie „Ins

Leben stellen“, meist in historischen Anspielungen, dienen der ambivalenten

Kontextualisierung zwischen heute und der Geschichte, dienen dem Sprung in eine

andere Zeit. Zeiten werden gegeneinandergestellt und finden in einem Raum, in

einem Bild statt. Das ist eigentlich genau die Chance der Malerei, dass sie neu

zusammensetzen und sich zeitlich über Grenzen hinwegbewegen kann.

Ja, die Schichten sind Teil des Prozesses der Bildentstehung und entsprechen meiner

Art zu arbeiten, das betrifft die Holzschnitte genauso wie die gefalteten Leinwände.

Das bedeutet: mit Impuls in eine Arbeit reingehen, mit voller Wucht anfangen, sich

konzentrieren, dann wieder Abstand gewinnen, Zeit vergehen lassen und wieder

ansetzen. In diesem zeitlichen Bogen spiegeln sich auch die eigenen Stimmungen, in

denen man sich während der Bildentstehung über den Tag und über die Wochen

befindet.

Leinwände falte ich seit 2008. Die Motivation dahinter ist, den Bildern einen

anderen Ausgangspunkt zu verleihen. Schicht für Schicht übereinandergelegt

entsteht ein Bildkorpus, eine gegliederte Oberfläche und eine haptische Struktur.

Bevor ich beginne, mit Farbe an die Leinwand zu gehen, werde ich mit dem Material

des Bildträgers konfrontiert – bei großen Arbeiten manchmal zwei bis drei Tage

lang. Mit dem stetigen Prozess des Faltens der Leinwand beginnt die erste formale

Aufteilung der Fläche. In der aufwendigen Auseinandersetzung mit dem Material

setzt sich eine gewisse Spannung ein, wohin sich die Bildidee entwickelt, schärft.

Die Faltung der Leinwand erreicht aber auch eine weitreichendere Dimension im

Bezug auf die allgemeine Bildrezeption und ist gewissermaßen auch Ausdruck einer

Haltung, eines Ausreizens der Möglichkeiten der Malerei, und damit auch eine Reaktion

auf die digitale Bilderflut. Alles, was wir uns auf Bildschirmen ansehen, ist Licht

generiert und eine flache Darstellungen von Bildern. In vielerlei Hinsicht hilfreich,

praktisch, toll. Allerdings geht dabei ein elementarer Teil verloren nämlich Haptik,

Oberflächenstrukturen und Körperlichkeit. Ich erlebe immer wieder, gerade an den

Holzskulpturen wie gerne diese angefasst werden. Das geht mir selbst ebenso. Man

spürt dabei Materialität und Stofflichkeit. Ähnliche Erfahrung übertrage ich auf

meine Bilder. Um es anders zu sagen: natürlich vermitteln sich Inhalte und Motive

über das digitale Bild. Dennoch bleibt dahinter immer die Begegnung mit dem

Original zurück. Wenn jemand einmal die Bilder gesehen hat, wird er das digitale

Image verstehen können. Hat er das nicht getan, bleiben ein- fach Fragen zum

technischen Hintergrund offen. Mir geht es auch darum, etwas zurück zugeben, was

in unserer täglichen Wahrnehmung mittlerweile stark minimiert worden ist – ja, um

eine Wertigkeit von Bildern.

Das Interesse an der Skulptur begann während meines Studiums. Ausgangspunkt

war einfach der Wunsch, das Figurenpersonal, das ich malte, auch dreidimensional zu

sehen! Mich hat das Arbeiten mit Holz und Motorsäge gleich fasziniert. Die Säge

lässt sich wie ein graphisches Instrument einsetzen, wie ein Pinsel, je nachdem, wie

man schneidet, bildet man eine Li- nie oder eine Fläche. Mittlerweile hat die Skulptur

seinen ganz eigenen Platz in meinem Arbeiten, gerade weil dahinter ein völlig

anderer Entstehungsprozess steht: schneller, dreckiger, und Entscheidungen, die

sich nicht rückg.ngig machen lassen. Meine Skulpturen entstehen nicht in einem

langsamen, sich aufbauendem Prozess wie die Bilder, sondern vielmehr umgekehrt:

man fängt bei hundert Prozent an und reduziert das Material nach und nach. Zum

Teil fließen Ideen und Erfahrungen mit dem skulpturalen Arbeiten wie das Spiel mit

Falten als auch Licht und Schatten in die Bilder ein – und andersherum. Außerdem

hilft die Auseinandersetzung mit einem andern Material zwischendurch loszulassen

und mit neuer Motivation und freiem Kopf sich wieder den Bildern zu widmen.

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